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Hi Zusammen,

Ape on Sunday
White Manna
Cardinal Fuzz Records 2019



Ape on Sunday ist das 6. Album der kalifornischen Band White Manna das am 25.6 bei Cardindal Fuzz Records erschienen ist.

Eigentlich wollte ich eine der auf 55 Stück limitierten colored Vinyls haben, aber die waren erwartungsgemäß schon ausverkauft.
Gefunden hatte ich diese Band bei Bandcamp und dachte mir versuchts du das mal. Grundsätzlich funktioniert das sehr gut und schnell. Einziges Manko der sonst mit 15€ günstigen LP sind die hohen Transportkosten von 25€.
Die digitale Version soll voraussichtlich am 28.6.2019 erscheinen.

Ich muss gestehen, ich wusste nicht was ich musikalisch erwarten sollte, ich wollte mich einfach zu diesem Tag überraschen lassen.

Die Band White Manna, das sind Frontmann David Johnson (Gitarre, Gesang), Johnny Webb (Bass), Tavan Anderson (Schlagzeug), Anthony Taibi (Gitarre) und Mike Deiter (Synthesizer, Keybords), beschreitet hier einen Weg, der mich schon etwas an die experimentelle Erforschung unterschiedlicher Stil und kosmischer Klangelemente der guten alten psychedelic Rock Bands in den frühen 70zigern erinnert.

Der Titel "Ape On Sunday" bezieht seine Inspiration und seinen Titel aus einem Gedicht von Robert Zimmerman in seinem Gedichtband / Roman "Tarantula", einem Strom bewusster / zerschnittener Stilprosa aus dem Jahr 66. Das Cover Design mit den erstaunlichen Kunstwerken von John Vochatzer und Layoutdesign von Matt Goldberg passt genau zur Musik und dem Titel.

Die Jungs von White Manna haben sich bei der Komposition von den Nebeln zwischen den Redwood Canopies des Emerald Triangle in Nordkalifornien beeinflussen lassen. So verwunden nicht „dröhnenden“ Synths und schimmernden Gitarrensounds.

Im Kern würde ich das Album „Ape on Sunday“ schon als sehr kosmisch und hypnotisch bezeichnen wollen. Es bedarf meiner Meinung nach sicher einiger eingehender etwas meditativer Hörsessions um die Musik auch in der passenden, berauschenden postapokalyptischen „Klaus-Schulze“ Stimmung aufnehmen zu können.

J. J. Cale 5 - Vinyl - 1979



Über den Musiker J.J. Cale oder eigentlich
John Weldon „J. J.“ Cale (* 5. Dezember 1938 in Oklahoma City,[1] Oklahoma; † 26. Juli 2013 in La Jolla, Kalifornien) brauche ich nicht viel zu schreiben. Er zählt zumindest zu den Begründern des Tulsa-Sounds, ist stilistisch zwischen Rockabilly, Blues, Jazz und Country einzuordnen und spielte oftmals alle Instrumente seiner Aufnahmen selbst.

Musikalisch hat JJ Cale seine Kompositionen eher kurz gehalten und sparsam Instrumentiert und mit schörkellosem Gesang versehen, so dass man seine Musik auch schon als einen sehr ruhigen Rock im Laid-back-Stil von Billi Holiday, von der er nach eigenen Aussagen inspiriert wurde, bezeichnen könnte.

Die detaillierte und sorgfältige Ausarbeitung seiner Musik, was oft für ein Album einige Jahre bedarf, brachte ihm auch die Anerkennung anderer Musiker. So beschrieb Eric Clapton seinen Stil in einem Interview als „… really, really minimal …, it’s all about finesse.“

Einige von Euch werden vielleicht auch noch den instrumentalen Titel „Okie“ kennen, denn Frank Laufenberg im SWF-3 Radioclub als Erkennungsmelodie verwendet hatte.
Sein bekanntesten Werke dürften aber die Coverversionen von After Midnight und Cocaine durch Eric Clapton sein.

Das Album 5 spiegelt genau diesen relaxten Sound wieder. Klanglich sehr gut aufgenommen musikalisch ausgereift, kurzweilig, einfach nur entspannen, Fuß wippen, Finger schnippen und hören.

Das ist ist für mich gute Musik, gehört für mich auf jeden Fall in die Sammlung.

Copland









Eiji Oue Minesota Orchestra
Fanfare for the Common Man

Appalachian spring suite

Third Symphony

Reference Recordings RR

Aufnahme 2000


Diese als LP 180g und digital als HDCD erhältliche Aufnahme wurde von Reference Recordings zum 100. Geburtstag von Aaron Copland aufgenommen und 2000 veröffentlicht.

Auf dem Album finden sich die drei wohl bekanntesten Werke dieses einer der besten amerikanischen Komponisten des 20ten Jahrhunderts.

Die Fanfare for the Common Man nenne ich getrost in einem Atemzug mit Tschaikowski’s Fanfare „Also Sprach Zaratustra“. Die mächtige orchestrale Ausgestaltung mit Bläsern und imposanten Schlagwerkelementen und einem der Top Orchester dieses Planeten verleiht dem Album, auf dieser exzellenten Aufnahme garantiertes Gänsehautvergnügen und fordert ihrer Dynamik wegen, das gesamte audiophile Setup von Quelle über Verstärker bis zu Lautsprecher und Raum. Klanglich und musikalisch ist dieses Album eine meiner Top-Reference Empfehlungen moderner Klassik. Die Aufnahme ist so gut, dass selbst audiophile Hörer, die dieses Musik-Genre nicht primär hören, sich mal die Mühe machen sollten, reinzuhören. Man könnte das schon auch als eine „Art Rock“ bezeichnen, zumindest fetzt es mächtig im Karton, etwas platt ausgedrückt.

Für die Interessierten unter Euch hier noch ein paar Infos zu den Kompositionen:

Fanfare for the common man

Das Stück „Fanfare for the Common Man“ ist ein musikalisches Werk des US-amerikanischen Komponisten Aaron Copland. Es wurde soweit mir bekannt, von der Koussevitzky-Stiftung für den Dirigenten Eugène Aynsley Goossens in Auftrag gegeben. Die inspirierende Grundlage war die Rede des Vizepräsidenten der Vereinigten Staaten, Henry A. Wallace, in der er das "Jahrhunderts des Normalbürgers" ausrief.

Eugene Goossens, der damalige Leiter des Cincinnati Symphony Orchestra, hatte die Idee, das er analog zum ersten Weltkrieg, gerne auch in der Konzertsaison 1942/1943 jedes Orchesterkonzert mit einer markanten Fanfare beginnen wolle. Im ersten Weltkrieg hatte er britische Komponisten um eine Fanfare gebeten, war er damit sehr erfolgreich gewesen, so dass er dies im Zweiten Weltkrieg mit amerikanischen Komponisten gerne wiederholen wollte. Es wurden 18 Fanfaren komponiert. Es war die Idee Goossens, mit diesen Fanfaren mitreißende und bedeutende Beiträge zum Krieg zu leisten.
jedoch hat sich nur Coplands im Standardrepertoire halten können.

Die Fanfare, mit dem dieses Album dramatischen eingeleitet wird, findet sich als Thema im letzten Satz der dritten Symphonie zum Schluß wieder.

Die Fanfare for the Common Man inspirierte auch viele andere namhafte Künstler, wie u.a. Rolling Stones, Sweet, Emerson Lake and Palmer uvm.


Appalachian Spring

Appalachian Spring, bezeichnet nicht wie oft fälschlich angenommen – den Frühling in den Appalachen, sondern eine Appalachische Quelle.

Das Werk ist wahrscheinlich die bekanntes Ballettmusik des von Aaron Copland, allerdings in der Fassung als Orchester Suite. Uraufgeführt wurde das Werk als Ballett im Oktober 1944 in der Library of Congress in Washington D.C mit Martha Graham die die Hauptrolle tanzte. wurde aber vor allem in der Fassung als Orchester-Suite bekannt. Interessant war, dass das Bühnenbild dazu der japanisch-amerikanische Künstler Isamu Noguchi gestaltet hatte. Man beachte, für das Ballett erhielt er 1945 den Pulizzer Preis für Musik.
Copland selbst fand es allerdings ausgesprochen dumm, die Musik nur als Ballett zu schreiben, dadie entsprechenden Partituren historisch nicht lange Bestand haben würden. Deshalb schrieb er das Ballett als Orchester Suite um. 1945 erhielt er für das Ballett den Pulitzer-Preis für Musik.

Ursprünglich hatte Copland dem Werk keinen Titel gegeben und bezeichnete es einfach als „Ballet for Martha“. Kurz vor der Premiere schlug Graham „Appalachian Spring“ vor, eine Bezeichnung aus dem Gedicht The Dance von Hart Crane, obwohl diese keine Beziehung zur Balletthandlung hat. Copland war später oft sehr amüsiert, wenn Zuhörer ihm berichteten, wie gut er doch die Schönheit der Appalachian Mountains in seiner Musik eingefangen habe.
Manchmal liegt es auch im Auge des Betrachters, oder besser im Ohr des Hörers.

Dritte Symphonie

Coplands dritte Symphonie entstand zum Ende des zweiten Weltkriegs, im Zeitraum von zwei Jahren vom Sommer 1944 bis zum Sommer 1946.

Das Geld für dieses für Copland große Unterfangen verdiente er durch die Filmmusik für The North Star und einem Auftrag der Koussevitzky-Stiftung.
Entsprechend der Bedingungen der Kommission bei der Auftragsvergabe widmete Copland die Partitur Koussevitzkys verstorbener Frau.

Coplands zwei frühere Symphonien kann man als eher unkonventionell bezeichnen. Die erste Symphonie (1928) war eine Bearbeitung für Orgel und Orchester, während seine zweite Symphonie mit dem Titel Kurze Symphonie ein Kammerorchester war.

Seine dritte Symphonie hingegen war ein großes, vier Sätze umfassendes Orchesterwerk mit gut vierzig Minuten Dauer, welches auf diesem Album in klanglich und musikalischer Perfektion festgehalten wurde.

Copland selbst erklärte den einzigartigen Charakter des Werkes dahingehend, dass er Koussevitzky sehr gut kenne und er wusste, welches die Art von Musik war, die sein Auftraggeber gerne dirigierte und welches Gefühle er dabei empfand. Copland kannte auch exakt Klang von Koussevitzkys Orchesters. So mit hat er alles Anstrengung unternommen um dies Symphonie in ihrer großartigen Weise zu schreiben.

Copland lieferte bei der Uraufführung prägnante Programmnotizen für das Stück. Er erklärte, dass das Werk "den damaligen euphorischen Geist des Landes widerspiegeln soll".

Das markantes Merkmal der Symphonie, das „Common Man“ Thema, findet sich als Hauptthema des mächtigen Finales. Ursprünglich hatte Copland zwar nicht die Idee, die Popularität der Fanfare nicht wirklich in der Symphonie zu benutzen. Eigentlich war die Fanfare mehr als ein undurchsichtiger eigenständiger Auftrag gedacht, von dem er erwartet hatte, dass diese bald vergessen werden würde. Seine Idee war vielmehr ein edel wirkendes Finale zu gestalten, welches zum Nachdenken über den siegreichen Kampf des Krieges anregen sollte.

Doch passte dann seiner Meinung nach die Fanfare für diesen Zweck so gut, so das er sie als zentrales Element in den letzten Satz integrierte. Sie ergänzt und verbindet melodisch die weiteren Themen der Symphonie und ergänzt und umschließt diese in idealer Weise.

Wie bei allen großen Werken finden Kritiker dieses Finale überladen.
Mir jedoch gefällt genau diese Mächtigkeit ausgesprochen gut.

Lob gab es u.a.auch von Leonard Bernstein. Er verglich dieses musikalische Monument mit dem Lincoln Memorial oder Washington Monument, und dennoch nahm er sich heraus das Werkt zu kürzen und zu verändern, was Copland nicht gefiel.

Eine absolute Empfehlung für Klassik Fans und die, die es vielleicht mal werden wollen.

Hallo zusammen,



Das Album von 1974 wurde zum diesjährigen Record Store Day in einer Auflage von 2000 Stück neu released - und war natürlich sofort ausverkauft.

Es handelt sich hierbei um diese Version:
https://www.discogs.com/Herbie-Hancock-Dedication/release/13476026

Diese hatte ich laut Bestätigungsmail von HHV auch bestellt - geliefert wurde allerdings diese Nachpressung:
https://www.discogs.com/Herbie-Hancock-Dedication/release/13763291

Musikalisch dürfte das Album mit seinen vier Tracks vielleicht dem ein oder anderem bekannt sein - die ersten beiden als Solo-Piano Nummern, die letzten beiden mit Keyboards und Synthesizern.
Besonders Cantaloupe Island beeindruckt in dieser Version durch allerfeinste Q-Sounds - faszinierend

Habe HHV bzgl. Der falschen Version einmal angeschrieben - mal sehen, was sie antworten...